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El Teléfono Loco

Montecarlo — Mon, 14 May 2012 15:25:20 +0000

Probablemente todos los que leáis este post habéis jugado a esto cuando erais pequeños. En cada país adopta un nombre diferente, pero el concepto es el mismo. Un grupo de personas se sienta en círculo. El primero susurra un mensaje al oído del compañero que tiene a su lado. Lo hace sólo una vez, en voz baja y hablando rápido. El receptor repite la operación con el tercer compañero, y así hasta llegar al último. Éste enuncia en voz alta a todo el grupo el mensaje, tal y como lo ha recibido.
Lo más normal es que poco o nada tiene que ver con el mensaje inicial; éste también se dice en voz alta, para que todos puedan apreciar la distorsión que ha sufrido el contenido mientras se transfería. La comparación suele despertar carcajadas.
A mi modo de ver, este sencillo juego no desacredita la transmisión oral como un bien de la comunidad: simplemente evidencia que, en según que circunstancias, los mensajes se alteran, se mutilan, se distorsionan y, finalmente cambian por completo el sentido original.

Y me temo que eso es lo que a menudo ocurre en el mundo de Internet y la blogosfera. (Y, si lo pienso un poco, en el mundo en general).
La brevedad del mensaje, la supresión de la cita, la lectura en diagonal, la velocidad de creación y transmisión, la necesidad de estímulos continuos y novedades a todas horas y, sobre todo, la falta de conocimiento directo de los asuntos de los que se habla; todo eso prefigura el panorama comunicativo en el que nos movemos.
Desgraciadamente, en estos casos no se trata de un juego, sino del conocimiento compartido sobre el que construimos nuestro sistema de valores, de creencias y sobre el que edificamos nuestro futuro. Tal vez por eso no me ría.

¿A qué viene esta reflexión? A lo que pensé cuando leí este post.

Me enteré de su existencia a través de las redes sociales (gracias a Eduardo Prádanos, por el link y por dar pie a este post). Era un breve tweet de 140 caracteres. Lo suficiente para incluir el título: “Storytelling: contar historias para vender”.
Sé que uno no puede fiarse de los titulares, y en su día escribí lo que pensaba al respecto. (Un post que tuvo aportaciones interesantes en los comentarios que le siguieron).

A sabiendas de que a menudo el encabezamiento de un texto es un simple reclamo para atraer al lector con una frase más o menos ambigua o engañosa, me dispuse a leerlo.

Lo que sigue a continuación son las puntualizaciones que considero necesarias a las afirmaciones que los autores sostienen y que, en mi opinión, deben matizarse cuando no, directamente, rebatirse.
Si lo hago es con el ánimo de aportar información útil y para, una vez más, reclamar un cambio de actitud. Creo que es necesario que volvamos a abrazar la idea de que los verdaderos profesionales son personas que dedican su vida a su oficio y recuperemos el esfuerzo y la constancia como valores a cultivar.

Después de esta introducción, larga pero necesaria, paso a comentar.

ANOTACIONES

1.- “Storytelling: contar historias para vender”
El título ya sitúa al Storytelling en el ámbito de las técnicas cuando, como ya hemos dicho en muchas ocasiones es algo completamente diferente, aún cuando lo quieres relacionar con las ventas.

2.- “Once upon a time…” (en la imagen)
“Érase una vez…” Así es como solían empezar los cuentos tradicionales. Es una fórmula utilizada en el folklore popular, que tampoco tiene demasiado que ver con contar historias: la mayoría no emplearía nunca este inicio, precisamente por lo que connota.
Además, Storytelling (como señalaba en los enlaces anteriores), no es “contar cuentos” por lo que empezar con “Érase una vez” está fuera de lugar.

3.- “contar historias. Rebautizado como storytelling”
Storytelling no es storytelling, y confundirlos sólo sirve para crear malos entendidos y generar más confusión.

4.- “qué hacer para que una historia ‘llegue’ y, por tanto, se recuerde mejor.”
Aunque un mensaje “nos llegue” no quiere decir que luego lo recordemos. Una cosa tiene que ver con la recepción inmediata y la otra con la recuperación de un recuerdo.

El post se centra en el uso del Storytelling para la fijación de cierta información en la memoria cuando, por un lado, el Storytelling tiene otros muchos usos y, por otro, el recordar algo, per se, no te lleva a comprarlo o consumirlo.

5.- “siempre estamos tratando de identificar a nuestro alrededor aquellos elementos clásicos de una historia: un protagonista, un adversario, un problema que superar o un hito humano básico, como la muerte, el amor, la madurez y la independencia de los padres…”

Entiendo el sentido de la frase, o yo la interpreto así: “leemos la realidad y nuestros recuerdos en términos de historia, para darle sentido a los acontecimientos y el mundo que nos rodea”.
Ahora bien… podríamos discutir largo y tendido sobre cuáles son los “elementos clásicos de una historia”. Este es un tema que requeriría un espacio propio. Hay volúmenes enteros que tratan la cuestión en profundidad, y pensadores y escuelas que siguen debatiendo al respecto, desde hace miles de años.

Para mí, como narrador, la insistencia que algunos tienen en la presencia de un “adversario” en la historia es un síntoma claro del escaso dominio de la materia.
En palabras del tan poco leído como muy citado Aristóteles: “sin acción no puede haber tragedia; pero sin caracteres, sí.”
(García Yerba, V. (tr): “Poética de Aristóteles”. Editorial Gredos. Madrid, 1974. p. 148)
Aquellos que ejercen el oficio de narrador saben (por experiencia propia) que esa dicotomía protagonista/adversario forma parte de los relatos que sustentan un trasfondo dualista (el bien y el mal, el cielo y el infierno) y que existen otras muchas concepciones del mundo, con sus correspondientes historias.

6.- “…desarrollamos un vínculo emocional con los protagonistas…”
Si bien es cierto que la empatía hacia un personaje nos ayuda a conectar, no es lo único que contribuye a hacerlo.
Existen otros elementos que potencian el “engagement” con la historia: no olvidemos que nuestra experiencia es compleja, y la historia es un conjunto del cual el protagonista (o el personaje que sea) es tan solo una parte.

7.- “Nuestra memoria tiene predilección por las narraciones lineales con un principio, un desarrollo de la trama y un desenlace.”
Pues no. Lo siento, pero no. Los relatos lineales con principio, nudo y desenlace son una estructura narrativa formulada por Aristóteles, sí, y ampliamente difundida en el mundo occidental (especialmente a través de la industria de Hollywood). Existen otras estructuras igualmente válidas. Sin necesidad de acudir a otras latitudes: véase Shakespeare, por ejemplo.

Hasta donde la neurociencia ha llegado (y simplificándolo mucho) yo diría que “construímos” nuestro cerebro día a día. Las neuronas se conectan y reconectan formando diferentes recorridos, recuperándolos o no en función de nuestras vivencias (de las que nuestras historias forman parte).
Vivimos en un mundo cada vez más conectado, lo que también implica que el usuario lo consume-experimenta de un modo fragmentario y personalizado.
¿Habéis oído hablar de Transmedia? Respecto a este asunto, veáse “Vida Transmedia”, el punto 2.6. de este post.
Pensad en términos de linealidad y seguiréis en el siglo XIX.

8.- “comprender una historia dispara otro proceso básico en nuestra mente: la empatía.”
La comprensión, entendida como algo racional, no genera empatía. Eso surge de otro sitio, ya que se trata de un sentimiento. Probablemente es sólo de un matiz debido a la redacción del texto, pero creo que es importante recordar que “no todo es racional”.

9.- “Las campañas de Coca-Cola en España son un buen ejemplo.”
Lo siento, pero a mí, lo de Coca-Cola, me parece de juzgado de guardia. Más que empatía, me genera asco. Igual soy un raro, pero es lo que siento. Los tanques matan gente, los osos de peluche no curan. Y no sé quién ha determinado que un mundo mejor es un mundo en el que se bebe más Coca-Cola.
Comparar dos elementos sin base de comparación no es Storytelling, es demagogia. Y de la mala. Vaya, me temo que estos ejemplos nos remiten al libro de Salmon y el “bad practice” de los políticos.
No digo que no haya marcas que utilizan el Storytelling y cuidan con esmero su branding, que las hay. Pero no ésta, ni con anuncios como los citados.

10.- “…fomentar el recuerdo del mensaje comunicado, que es uno de los dos grandes objetivos de toda comunicación.” … “…el segundo gran objetivo, persuadir,…”
Según se deduce de este párrafo, la función principal de la comunicación es la persuasión. Además de que es una afirmación discutible, la idea tal y como está enunciada (y ciñéndonos a las definiciones aristotélicas), nos remite a la retórica, y no a la poética (léase Storytelling).
Por supuesto que el post, como efectivamente indicaba el titular, versa sobre la venta. En ningún momento se oculta su orientación marketiniana pero creo que, siguiendo la máxima de Maquiavelo de “El fin justifica los medios”, los autores deforman o utilizan de un modo sesgado algunas ideas para defender su tesis.

11.- “los 8.000 años de literatura que tenemos a nuestras espaldas unidos a los casi 70 que llevamos de marketing, nos han permitido destilar algunas estructuras y temas que suelen funcionar.”
No discutamos de fechas ni cifras y centrémonos en lo fundamental: Literatura no es Storytelling. Marketing no es Storytelling. Y, si la idea que se pretende transmitir es que los estudios de marketing han evaluado qué historias “venden más”, resulta poco creíble que se haya aplicado al grueso de la producción literaria de siglos y siglos, del mismo modo que me parece poco sostenible pensar en la literatura como única fuente de transmisión de los relatos.

En cuanto a la importancia que se le otorga al tema, me gustaría señalar que es más importante el tono y la aproximación del narrador que no el asunto a tratar: recordemos que “no hay temas aburridos, hay escritores aburridos” (cito de memoria; creo que la frase es de Mencken).

La importancia de la literatura (o del cine, el Storytelling o cualquier otro medio de transmisión de historias) no radica en la trama. Ésa es una lectura superficial: sin duda muy acorde con los tiempos que corren, pero no por ello menos equivocada. Es precisamente esta confusión la que nos ha llevado a esa perversión del uso de las narrativas.
Como a menudo señala mi socia: “Art ≠ Entertainment”. No pretendo entrar aquí en la relación, funciones y usos del arte, ni en si toda la literatura es arte ni otros debates, tan sólo señalar que la frivolidad que imprimimos a nuestras obras y acciones es causa y efecto del empobrecimiento que sufrimos (cultural, espiritual, identitario…)

Respecto a las estructuras me remito a lo anteriormente dicho.

12.- “Historias educativas”
Una historia no educa, ni tiene porqué hacerlo. En realidad, una historia no debe tener fines didácticos.
Esa pretensión sitúa al narrador y al narratario (el oyente, el espectador) en planos diferentes, lo que dificulta la comunicación y empobrece la experiencia del relato.

13.- “Retomar historias clásicas”
Que nos cuenten una historia conocida no es garantía de que el oyente ponga más interés en lo que se le cuenta. También puede ocurrir que, precisamente debido a que ya conoce la historia, disminuya su atención. (Y de nuevo estamos dando demasiada importancia a la trama, como si fuera el valor máximo para cautivar a la audiencia).
Con todos los respetos a la tradición, no creo que contar “la Caperucita Roja” sea la mejor opción para vender algo en este mundo de fiero capitalismo neoliberal. Ni para vender, ni para casi nada.
Puestos a citar un ejemplo clásico, mejor ver esto, aunque claro, en realidad no se trata de la historia de “Los tres cerditos”, tan sólo lo parece.

14.- “Moralejas”
Las fábulas (si por fábula entendemos historia con moraleja) pretenden ser ejemplares, y para ello organizan personajes y acciones entorno a una conclusión final. Por lo tanto, no dejan de ser narraciones con pretensiones educativas, por lo que me remito a lo expuesto en el punto 12.
Prescindir de moraleja no es una cuestión de postmodernidad sino de riqueza del relato. (Algo que, dicho sea de paso, tiene mucho que ver con Transmedia).

15.- “Historias personales”… “…el receptor logre identificarse con el protagonista de nuestra historia.”
No todas las historias personales funcionan: dependerá de dónde, cómo, cuándo y a quién se las contemos.
Como todo, bien empleadas, pueden ser una estupenda carta de presentación. Pero repito: no es un efecto automático.

No confundamos empatía con identificación. De la primera, ya hemos hablado. De la segunda, decir que no es necesaria. (Si no, miedo me daría salir a la calle, ¡con la cantidad de aficionados que tienen los relatos de asesinos en serie!)

16.- “…la mejor forma de entender el Storytelling es acudir a las fuentes: la literatura y el marketing.”
El Storytelling tiene sus propias fuentes, que poco tienen que ver con la literatura y nada con el marketing.
Y la mejor forma de entender el Storytelling es practicarlo, participar de él y, en todo caso, buscar asesoramiento de los que nos dedicamos profesionalmente a ello. Como decía al principio, puede parecer algo obvio, pero con los tiempos que corren, creo que hay que recordarlo. Si se te estropea el coche ¿llamas al mecánico o te lees un post sobre el tema y lo arreglas tú mismo?

Mas y Mas – Transmedia Issue

Montecarlo — Thu, 05 Apr 2012 19:41:31 +0000

Here you have the link to the april issue of “Mas y Mas”.

They asked about what transmedia is to Simon Staffans, Indrek Ibrus and myself. There are also collaborations by Robert Pratten, Àlex Badia, Nuno Bernardo & Liz Rosenthal.

La idea d’Europa al Teatre Ponent

Montecarlo — Wed, 28 Mar 2012 10:06:51 +0000

Òscar Intente representa “La idea d’Europa” este viernes, sábado y domingo (30, 31 de marzo y 1 de abril) en el Teatre de Ponent, en Granollers (BCN). Una ocasión excelente para acercarse al texto de George Steiner y apreciar el trabajo de un gran actor. ¡Allí nos vemos!

filmin radar: Hiroshima – The Artist

Montecarlo — Mon, 26 Mar 2012 20:26:55 +0000

A menudo, sumergidos en el relato y cautivados por la ilusión de los sentidos, olvidamos cuál es la naturaleza del medio.
Sólo algunos cineastas (ineludible Godard) se esfuerzan en recordarnos que esa pregunta es necesaria; que ya no podemos jugar a ser el espectador inocente que, hace más de cien años, presenció por primera vez en la intimidad de una sala oscura aquellas fascinantes fantasmagorías.

Si quieres seguir leyendo el artículo, pulsa aquí.

Call for Entries – Cross Video Days 2012

Montecarlo — Wed, 21 Mar 2012 07:00:44 +0000

Cross Video Days

12 y 13 de junio en París

Se buscan proyectos

¡Haz el pitch de tu proyecto crossmedia o transmedia en París!

¿Quieres coproducir o/y distribuir tu programa? Ven y conoce a futuros socios en el Cross Video Days Market en París los días 12 y 13 de Junio!

Cross Video Days es un lugar de encuentro “business to business” de la industria del vídeo, no importa el tamaño o la plataforma.

Cross Video Days organiza en París el primer Mercado Europeo de proyectos cross- y transmedia de contenido digital innovador, como webdocs, webficción, webseries, webTV, socialTV, ARG, proyectos transmedia…
20 proyectos europeos especialmente seleccionados se presentarán en el mercado.
¡Envía tu proyecto antes del 10 de abril de 2012!

Para participar, rellena el formulario que encontrarás en la página del Market page de la web de Cross Video Days. Sólo tardarás 15 minutos y es gratuito.

20 proyectos europeos harán un pitching:
- frente a 500 profesionales y una audiencia online de miles de personas de la industria.
- ¡Muestra tu trabajo a posibles inversores y compradores!
- participa en encuentros programados (one-to-one) con comisarios europeos.

Es una oportunidad única para dar visibilidad, conseguir finaciación, (co)producción y distribución.

Los equipos seleccionados estarán invitados a todo el Cross Video Days, lo que incluye:
- el European Market para proyectos cross-/transmedia
- conferencias y talleres con expertos europeos en contenido digital
- oportunidades de networking (comidas y cocktails)

A los proyectos no seleccionados se les ofrecerá una tarifa especial para asistir a Cross Video Days.

Cross Video Days está organizado por Le Pôle Media Grand Paris y co-producido por Cap Digi-tal.

Contacto: market[a]crossvideodays.com
Facebook
Twitter: @crossvideodays

www.crossvideodays.com

Transmedia Europe Network (SPA)

Montecarlo — Tue, 21 Feb 2012 08:43:03 +0000

La versión traducida del post sobre Transmedia Europe Network de Rotterdam está publicada en el blog de Filmin.

Transmedia Europe Network

admin — Mon, 20 Feb 2012 07:00:51 +0000

Rotterdam Meeting Summary
By Montecarlo and Corine Meijers

Every year, the International Film Festival Rotterdam (IFFR) becomes the meeting point of the edgy independent cinema around the World. And more.
Past January 30th, in the frame of CineMart, MEDIA Desk Netherlands and MEDIA Desk Belgium – Flemish Community organised a Transmedia session.
We talked about many things (see below) and although this post is only the summary of what was said, elaborated from many different notes taken by various of the participants, we think it will give you a taste of the day.

1.- MORNING SESSION

1.1.- PEOPLE
The meeting was conducted by hosts Dominique Van Ratingen (NL) and Natalie Goethals (BE), directors of the MEDIA Desk.
They started the session detailing the program and the procedure.

Aside the organisers, there were eighteen of us. In the list of names so you will see that our professional backgrounds and specialities and the different countries we come from make for a good portrait of both Europe and Transmedia, practitioners and institutions.

• Alok Nandi (Architempo, BE)
• Aneta Lesnikovska (MediaZOO, NL)
• Anna Reeves (Story architect, CH)
• Betsy Pool (Director of integrated media strategy, Damanhur Federation, IT)
• Carla Hoekendijk (New media consultant, Hogeschool van Amsterdam, NL)
• David Holme (First Motion & Crossmedia for the Baltic Region,NO)
• Dominic de Haas (Writer/producer ARG, NL)
• Dominykas Sirvinskas (MEDIA Desk Lithuania, LT)
• Herwig Kopp (Normalum – Mixed Realities, DE)
• Juliane Schulze (Peacefulfish, DE)
• Mette Marcussen (Shareplay, DK)
• Michael Gubbins (Journalist, consultant digital media, UK)
• Mieke Bernink (Amsterdamse Hogeschool voor de Kunsten, NL)
• MonteCarlo (Química visual, SP)
• Robert Pratten (Transmedia Storyteller Conducctr, UK)
• Stephan Duquesnoy (Stroke Studios, NL)
• Wendy Bernfeld (Rights Stuff, NL)

(photo courtesy of Montecarlo)

Some of the members of the group had met before, some were new acquaintances. So, for starters, the conductors proposed us to introduce ourselves to the group, It was a simple and effective way of helping people to break the ice and to feel comfortable with each other.

1.2.- TRANSMEDIA CLOUD
After that, they briefly explained the morning program, that would continue with another icebreaker.
We had to put down our answer to the question: “When thinking of the term Transmedia, what comes to your mind?” on sticky notes (one concept per note) and share it with the group by sticking our notes on a glass wall.

People freely arranged and rearranged the different ideas, in order to form groups by affinities. That (besides moving the participants from their seats to interact with each other) brought the first exchange of opinions in a clear visual way.
In a matter of minutes, an entire Transmedia Cloud was posted on the wall.

(photo courtesy of Dominic de Haas)

(Note: colours of the post-its are not supposed to have meaning.)

(photo courtesy of Mette Marcussen)

(Note: This is a computer generated cloud we did back home, including all the ideas from the sticky notes).

1.3.- BRINGING TRANSMEDIA DOWN TO EARTH
The next step was to discuss (in smaller groups) the main concepts we had jotted down. The discussion resulted in three lines of thought:
- Business / Distribution / Branding / Financing Models
- Storytelling / Story Worlds
- Interactivity / Participation
There was no intent to resolve or limit the question about what Transmedia is, but to assure that the working session progressed and that we were standing on common ground.

We had some time (about 15 min.) to talk about those concepts and, after that, a spokesperson for each group would present their key findings to the whole group.
If anyone thought that they had missed an idea, he/she would include it then.
And that’s what we did.

1.3.1.- BUSINESS
We intended to find a unifying way, some business models that show clearly how they work and how investors can take profit of Transmedia.

Broadcasters ought to be main partners in financing Transmedia projects (at least those of them that include Visual Media).

Social Media have to be understood as natural players.

On one hand, we are part of the European Union, on the other, we each have our own local reality. Therefore, funds ought to come from both the EU and the local governments, depending on the characteristics and reach of each project.

In order for private investors and brands to see Transmedia projects as an opportunity, they need to be involved in the process.

1.3.2.- STORYWORLDS
There is a complex dramaturgy and narrative in Transmedia: there are many kinds of Worlds, both open and closed, and they can be complementary.

Again, Social Media can’t be ignored, neither can the communities generated around Transmedia Narratives. Their construction and the dialogue they provoke are part of the story.

In short: we need tools to establish connection and immersive dialogues.

Transmedia Stories imply immersion, engagement, multiple perspectives and the idea that, some of them, work as a playground and/or a work in progress.
The users/players, by using and playing, create meaning.

1.3.3.- INTERACTIVITY
There is a wide spectrum in Transmedia: any project has its own grade of interactivity (watchers, users, prosumers, co-creators).

One more time, there are the Social Media.

Participation includes on-line experiences as well as life events (Interactivity doesn’t necessarily involve computers).

We have to reward our fans/participants, giving them something their peers don’t receive (personalised experiences).

Authors’ Know How ought to be opened up and, although some limits have to be established, there is no more absolute control of the narrative: user generated content is here to stay. Some kind of sharing, then, is natural to Transmedia.
Authorship doesn’t mean ownership, and these are concepts that have to be rethought.
Obviously, this implies some risks (either legal, financial, or both), but we can see them as an opportunity.

1.4.- SWOT ANALYSIS
As much as we wanted to keep talking about all this, it was time to go ahead.
Our hosts asked us to make new groups and perform a SWOT (Strengths, Opportunities, Weaknesses, Threats) analysis on some important matters related to Transmedia:
- Content
- Financing
- Clustering / Networking

On this occasion we would have some more time (approximately 30 min.) Below are the contributions on each subject.

1.4.1- CONTENT SWOT

(photo courtesy of Montecarlo)

1.4.2- FINANCING SWOT

(photo courtesy of Montecarlo)

1.4.3- NETWORK SWOT

(photo courtesy of Montecarlo)

1.5.- TEN (TRANSMEDIA EUROPE NETWORK)

Do. Share. Go global without losing our idiosyncrasy. This is something that we believe in.
One step at a time. We recognise that building a European Network would help all the people that are involved in the Transmedia Theatre. In other words, all of us, because everybody is already in the play.
We have to continue our voyage, but it seems reasonable to say that Transmedia Europe Network is on its way.

The meeting started at sharp 10:30 AM, and it ended at 1:30 PM. The general spirit was high, and everyone would have gone for more.
And we had more one hour later, after lunch. That doesn’t mean that while we ate we stopped talking about what had brought us here: Transmedia was the word.

2.- AFTERNOON SESSION
14:30. As it is said; the show must go on. It was time to go public and share all we had been talking about in the morning session (and more) with the CineMart guests and Rotterdam Lab producers in an open session.

Dominique Van Ratingen welcomed the people that had come to the van Capellenzaal, in the ground floor of de Doelen and introduced Alok Nandi, who would act as a moderator and introduce the guest speakers.

2.1.- MORNING SUMMARY
Alok Nandi started his speech asking the people whether they knew Kurosawa, and how as a child, he would go the cinema very often. Then Alok explained that the famous director ‘s eldest brother had worked as a benshi, a storyteller that narrated the movie to the public in the silent film era. Some years later, the cinema changed and became talkie.
So, Alok went on, it seems that we are facing a few more changes.

(photo courtesy of Montecarlo)

He referred to the idea of Pecha Kucha, “chit chat” in Japanese, to introduce a staged dialogue with Juliane Schulze to summarise the findings of our morning session.

Next, he introduced the panelists, being the first one Robert Pratten.

2.2.- TRANSMEDIA FOR FILMMAKERS
Robert’s keynote was about the reasons why filmmakers ought to explore Transmedia Storytelling.
His main point was that Transmedia is not the “enemy” to independent filmmakers. Far from that, an intelligent use of the tools that the digital era has brought can help filmmakers in many ways (getting funded, improving their career and exploring their creativity).
The final point of Robert Pratten’s intervention was dedicated to the need to find, understand, and engage audiences.
Here you have a link to his blog post where he talks about the same subject. The post includes Robert’s SlideShare.

(photo courtesy of Mette Marcussen)

2.3.- THREATS
Next panelist was Michael Gubbins, who shares the idea that media are changing already, although his approach to Transmedia is critical; he doesn’t take anything for granted.
This position allows him to dispassionately analyse the evolution of cross-transmedia in other sectors, mainly sports. In doing so, we can learn a lot about this kind of projects and how transmedia methods have grown and have been assimilated into the mainstream.
The question Michael raised is: Does transmedia have the potential to become a truly new form and, if so, what are the next stages of its development?
To conclude, he asked himself how we could reach an audience that is scattered all over the world (and sometimes over time, as well). Then, he mentioned the need for reliable social technographics.

(photo courtesy of Mette Marcussen)

2.4.- MEDIAZOO
After Michael Gubbins’ reflections, it was time to introduce two new initiatives.
Aneta Lesnikovska showed us mediaZoo, a place dedicated to offering visibility to multiplatform projects and share information about funding and workshops.
In her own words:
“mediaZoo transmedia hub is an online platform for organisations and individuals who are actively involved or have a shared interest in transmedia. We offer a platform to inform, promote and exchange ideas and experiences in the field of transmedia; present and promote projects, and give an overview of workshops, funding possibilities and financing models.
The aim is to create visibility and transparency in the multiplatform content production and management; curate and promote innovative content and initiatives; stimulate exchange of knowledge and new financing models.”

(photo courtesy of Montecarlo)

2.5.- IDROPS LABS
The following speaker was Corine Meijers who presented iDROPS. They have gone public after a first year of beta-testing (an experience with great results). They offer labs and workshops. In her own words: “iDROPS intends to supply answers by means of internationally oriented innovative labs at which the crossover potential within and beyond the creative industries will be explored by integrating digital tools into the creation and production process. Moreover iDROPS wants to explore the creative and commercial impact of newly developed content and services. iDROPS’s target group will be professionals in various creative industries as well as other areas, such as science, trade, education and, above all, health and social sector.”

(photo courtesy of Montecarlo)

2.6.- LIVING IN TRANSMEDIA
Next came a dialogue between Alok Nandi and Montecarlo, whose professional life has evolved from comic-books, through film to Transmedia.
Their conversation can be summarised like this: We need stories because storytelling reflects & helps us understand the world we live in. We haven’t understood yet that it is actually a digital-wireless environment.
We live in complex systems that, in a way, are already Transmedia: we experience systems and stories as a work in progress (In a system, there are functions and relationships. There is flux).
This may be a hard idea for the general public, but it seems like a useful one to those of us that are already working in transmedia projects.

2.7.- SKYPING WITH POWER TO THE PIXEL
Then came yet another dialogue, this time a Skype conversation between Dominique Van Ratingen and Liz Rosenthal, founder of Power to the Pixel.
Liz talked about PttP and the importance of sharing good experiences.
She also referred to their website where they have recently exposed several case studies.
Another point was the importance of education for transmedia professionals, and for funders, to really understand transmedia. (There is no available vocabulary, no business model.)
Their last point was this: Research is important; we have to resolve the problems the right way.

(photo courtesy of Montecarlo)

2.8.- ANY QUESTION?
Alok Nandi wrapped up the session with a brief summary of the needs we have and how to fulfill them. Content creators in Europe need to share and learn from their mistakes (not only the success stories) in Transmedia. They also need transmedia tools and learnings (both from major transmedia universes, and from transmedia experiences on a minor scale, that they can relate to).
Setting up TEN, Transmedia Europe Network, is a way to continue knowledge exchange, the organisation of activities and information collection.

Before closing the afternoon session there was time for the audience to ask questions and to go a bit deeper into the ideas exposed by the panelists.

This is not only the end of this meeting, but the beginning of something more.

Transmedia Blackboard

admin — Mon, 06 Feb 2012 08:12:40 +0000

Last friday I started teaching “New Technologies and Audiovisual Formats” in the Film & TV Fiction Official Master at Ramon Llull University, which means Storytelling Transmedia.
Here is a picture of the blackboard after three hours of work.

Transmedia en Rotterdam

admin — Wed, 18 Jan 2012 11:43:49 +0000

En el marco del Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) se celebrará una sesión dedicada a Transmedia. Aquí os dejo la nota oficial en la que se indican algunos detalles del evento:

In the framework of CineMart during the International Film Festival Rotterdam (IFFR), from 29 January – 3 March 2012, MEDIA Desk Netherlands and MEDIA Desk Belgium – Flemish Community invite you to the session TRANSMEDIA EUROPE and the launch of two transmedia inititatives: mediaZoo.eu (NL) & iDROPS (BE).

Topics: What’s the status now? what are the lessons learned so far? how to/what not to do? Less preaching more doing.

We have presentations from Robert Pratten (CEO Transmedia Storyteller) about the richness of transmedia; Montecarlo (Quimica Visual) focusing on the role of transmedia in understanding our own society, and Michael Gubbins who asks himself questions around these new developments. We will also share the outcome of a closed panel earlier that day on the set up of TEN (Transmedia Europe Network).

The moderation is in hands of Alok Nandi (Architempo)

Of course there will also be the opportunity for sharing knowledge and ideas. Last but not least we will present two European initiatives: mediaZoo transmedia hub and iDROPS, each with their own specific competences.

For registration: info@mediadesknederland.eu
Rotterdam Lab participants don’t have to register
Where: de Doelen, van Capellen zaal, ground floor
When: Monday 30 January, 14.30 – 16.30 hr.
Dominique van Ratingen – MEDIA Desk Netherlands
Nathalie Goethals – MEDIA Desk Belgium – Flemish Community

Sobre Brand Movies

Montecarlo — Tue, 10 Jan 2012 11:24:34 +0000

La aparición de Internet ha producido numerosos cambios sociales y, aunque no es el único factor a tener en cuenta, sí se ha configurado como el más representativo en relación con la crisis de los medios existentes.

Aquí va un breve apunte de la evolución sufrida por el cine y la publicidad en los últimos treinta años.

EXHIBICIÓN
Está en crisis el modelo de explotación, basado principalmente en la distribución-exhibición de las películas en sala y ventas a televisiones. También hay una segunda explotación en ventas al público en DVD, y otros circuitos, “residuales”.
Además, el sistema de exhibición, dominado por los lobbies de Hollywood, dificulta el desarrollo normal de las industrias nacionales. (Contado a grandes rasgos, pero creo que la idea está clara. La industria norteamericana obtiene más un 50% de ingresos por ventas fuera de su país, y es una curva ascendente).
Otro dato: la industria de Hollywood dedica alrededor del 30% (a veces hasta el 50%) del presupuesto de una película a publicidad!!!
La gente va menos al cine, ve menos la tele(convencional) y consume más productos “on line”. Es así de simple: el usuario más joven prefiere consumir audiovisual en la Red.
Además, estar en un medio digital le permite acceder a muchas más prestaciones (un terreno todavía poco explorado y repleto de oportunidades). Eso incluye consumo “a la carta”, conexión con otras fuentes de información relacionadas con el producto, conversaciones en redes sociales…

MERCHANDISING
Desde la aparición de “Star Wars”, un sector del mundo del cine (sobre todo en Hollywood), descubrió que el merchandising podía suponer una fuente de ingresos sustancial, y a eso se dedicaron. Hasta el punto de darle la vuelta a la ecuación, y convertir las películas en “mega-anuncios” de hora y media sobre los productos a vender (véase, por ejemplo “Transformers”).
Estos, lejos de ser “brand films”, son productos consecuencia de esa crisis del sector tradicional, que busca colocar el producto y vender “como sea” (es decir, utilizando estrategias y argumentos trasnochados).

PRODUCCIÓN
La aparición de equipos digitales ha abaratado (en parte) los costes de producción. Eso ha permitido que un tipo de cine “menor” (por marginal y por su habitual falta de visibilidad), gane un espacio. Es lo que se conoce como Low-Budget Films, o cine de guerrilla.
Aunque hay mucho aficionado generando productos sin valor (calidad) alguna, hay un sector del mundo cinematográfico que ha vuelto sus ojos hacia este tipo de productos porque suponen una inversión baja en relación a unos posibles beneficios interesantes.
Esa es la fractura del mercado que estamos viviendo: la polarización de productos en relación a su coste. Películas de bajo presupuesto frente a películas de gran prepuesto. (Las producciones intermedias tienden a desaparecer).

BRAND FILM NO ES PRODUCT PLACEMENT
Durante algún tiempo, la publicidad intentó mostrar los productos en películas y series de televisión. Si el protagonista los consumía, el espectador también querría hacerlo.
Se ha probado con todo tipo de productos: desde bebidas refrescantes (“Blade Runner”), pasando por golosinas infantiles (“E.T.”) hasta marcas de relojes y coches (“Black Rain”). El fenómeno más complejo relacionado con esto sería la saga de James Bond, que merecería un estudio aparte.
Como sea, en algunos casos el product placement surtió efecto; en otros produjo el efecto contrario y supuso un rotundo fracaso. En cualquier caso, no fue más que una estrategia basada en la imposición del producto al consumidor.
El caso extremo (en el sentido de límite) lo tenemos en obras como “Matrix” y los móviles de Nokia: la película mostró un modelo de teléfono modificado(N8110), que luego la compañía pasó a producir en serie y comercializar (N7110).
Eso supuso un cambio cualitativo: primero, la película, luego el producto. (Estamos en 1999).
“Matrix” dejó atrás el concepto de ventas por merchandising, al igual que el de simple cine, para convertirse en “una experiencia” (ver análisis de H. Jenkins y otros).

BRANDING & STORYTELLING
En 2001, BMW decidió romper con el clásico esquema de anuncio publicitario. Contrató a David Fincher (sí, el de, entre otras muchas, “La Red Social”) como productor ejecutivo y le encargó una serie de cortometrajes que una década después el público aún recuerda.

Más tímidamente, Mercedes secundó la idea fichando a Michael Mann para su anuncio “Lucky Star”.

Los dos ejemplos anteriores, a pesar de contener todavía una presencia prominente del producto, conllevan un cambio respecto a todo lo anteriormente visto: aquí el peso recae en la historia, en los valores que transmite.
Son los primeros ejemplos de un nuevo género: los brand films, películas que encarnan los valores de la marca y los muestran a través de un relato.

¿QUÉ SON LAS BRAND MOVIES?
Aunque este término también se aplica a lo que en español, llamamos video institucional, no deben confundirse. Los vídeos institucionales suelen ser publireportajes propagandísticos, mientras que las Brand Movies, tal y como las definimos en este texto, son películas que transmiten unos valores que público y marca comparten.
Este fenómeno se incluye dentro del de la “nueva publicad” o la “comunicación 2.0”. Ejemplos sobresalientes son los de General Electric o el de Levi’s.
La primera, con su apoyo a la investigación y desarrollo tecnológico sostenible, aplicada en múltiples proyectos y campañas. La segunda, con su campaña de apoyo a poblaciones desfavorecidas dentro de Estados Unidos o documentales dedicados a mujeres que “rompen con las normas” y abren nuevos caminos.
Otros ejemplos son los documentales de BMW o, en una línea más desenfadada, la campaña del procesador de Intel “The Chase Film”.

Todos ellos muestran una nueva manera de hacer las cosas y emplean la “experiencia Matrix” (léase, relatos transmedia) para llegar al gran público en lo que podemos calificar como una relación “win-win” entre marcas y consumidores.